КУЛЬТУРНЫЙ КОД
Посвящение другу, разговор с которым прервался на полуслове…
«Наша Среда online» — 11 октября 2018 года Алексея Вермишева не стало. Известие о его смерти прозвучало, словно гром среди ясного неба. Ведь и недели не прошло, как мы вместе с Алексеем и гостями из Москвы, отмечали нашу встречу в небольшой квартирке-мастерской на Моховой. Присущая Алексею жизнерадостность не давала смириться с мыслью, что его больше нет. И даже сейчас, когда я пишу эту статью о нем, у меня такое ощущение, что вот-вот он появится, и пожурит меня: “Дружище, что же ты про меня так, а?..”.
Родился Алексей Вермишев в городе Саратове 27 апреля 1954 года. Воспитанием его, в основном, занимался дед, Шавочкин Иван Сергеевич, который всю свою жизнь работал технологом на заводе. Мать Алексея, окончив геологический институт, тоже была технологом производства. После окончания Саратовского художественного училища Алексея призывают в армию. Он служит в морской авиации техником на Севере под Мурманском. После возвращения из армии будущий Мастер “аналитической живописи” работает оформителем в Саратовском Драматическом театре. В 80-ые годы Алексей едет в Ленинград и устраивается дворником при Эрмитаже. Молодой художник из Саратова сразу встает на путь свободного формирования собственного таланта. Обладая отточенностью видения и высочайшим вкусом, Алексей достаточно быстро обретает свой неизменный почерк, в котором можно увидеть его преклонение перед Казимиром Малевичем, Владимиром Татлиным, Павлом Филоновым. В 1985-м году Алексей Вермишев поступает в Ленинградское высшее художественно-промышленное училище имени Мухиной. Своим педагогом он считал Ксению Владимировну Ливчак, которая являлась ученицей Павла Филонова. Ксения Владимировна Ливчак родилась в Вильно в семье учёного-лесовода Владимира Осиповича Ливчака. С 1924 года жила в Ленинграде. С Филоновым познакомилась в 1930 году, и её творческие и дружеские связи с ним не прерывались до самой его смерти. В 1931 году она закончила отделение керамики ЛХПТ Ленинградского художественно-промышленного техникума. В 1930-е годы работала художником по росписи тканей в артели «Трибуна». Пережила ленинградскую блокаду. В 1944 — 1952 годах работала живописцем по фарфору на Ленинградском фарфоровом заводе, затем вернулась к росписи тканей. Позднее занималась станковой живописью и графикой, в последние годы жизни — росписью по фарфору.
Влияние — влиянием, но почерк Алексея Вермишева настолько самобытен, что спутать его с каким-либо другим художником невозможно. Его картины определяются с первого взгляда. Чуть ли не сразу, уже с ранних его работ, виден вермишевский неизменный стиль. “В своих картинах я использую холодные гаммы – говорил Мастер — Это отношение к холодному у меня возникло на Белом море, там были дома из выцветших бревен. Они под солнцем переливались таким чудесным серебряным цветом и так гармонировали с окружающей зеленью, что все становилось подобным видению. Эти серебристые марева меня сильно вдохновили, я написал картину “Белое море” в таком новом решении” – говорил Алексей. В его картинах нет необработанного пространства: от крупных планов до самых мельчайших деталей, и на ближних, и на дальних планах. Каждая картина, словно становится развивающимся на полотне живым организмом, растущим путем прорастания все новых и новых микрочастичек, каждая из которых обладает своей сложной структурой. Такой метод загадочный представитель русского авангардизма, Павел Филонов, назвал “аналитическим”. «Каждый мазок или прикосновение к картине есть точная фиксация через материал и в материале внутреннего психического процесса, происходящего в художнике, а вся вещь целиком есть фиксация интеллекта того, кто ее сделал», — писал он в своих тезисах.
Картины Вермишева удивительно динамичны и музыкальны. В работе над картиной, он огромное значение придает фактуре. Мастер, словно не ограничиваясь картинной поверхностью, стремится вырваться за ее пределы, захватить третье измерение, которое, как правило, принадлежит скульптуре. Очень скоро многих стали восхищать работы Вермишева, его интереснейшие сложные композиции, чувство ритма и необычная одухотворенность. Многие пожелали увидеть в собственном интерьере эти красочные, виртуозно исполненные произведения. И, неминуемо, художнику стали поступать заказы. Интересным для меня было личное отношение Алексея к заказу. Если заказ для многих художников становится бичом для потери собственной творческой индивидуальности, утраты авторского видения, то Вермишев воспринимал это весьма органично. В XVIII веке Иммануил Кант пришел к выводу, что настоящее произведение искусства – это “вещь в себе” и никаких других целей, кроме служения красоте, не преследует. “Всякое искусство совершенно бесполезно”, вторил Иммануилу Канту великий эстет, писатель Оскар Уальд, подчеркивая стерильность искусства и независимость от всего прикладного. То, что не удовлетворяет этому требованию, высоким искусством считаться не может. Однако, при такой формулировке, выходит, что многочисленные шедевры всех времен разных стран лишаются права называться высоким искусством, поскольку они создавались по заранее заданной художнику программе, часто с использованием форм, продиктованных заказчиками. Даже во времена Ренессанса, живописец и скульптор выполняли условия патрона, разработанные до мельчайших деталей…Но в те годы заказы нисколько “не душили” вдохновения творцов. И, если следовать суждению Канта, то выходит, что нужно из современных музеев убрать большую часть экспонатов, ибо многие из них создавались по заказу. Часто «титаны Возрождения» не просто разыскивали заказчиков, но и конкурировали за них между собой. Леонардо да Винчи, например, исколесил всю Европу в поисках идеальных патронов, чьи заказы могли обеспечить ему свободу для экспериментов. Существовала даже своеобразная шкала, по которой оценивались заказчики. Знаменитые «Синдики» и «Ночной дозор», при всей гениальности Рембрандта, тоже были созданы по заказу. Что касается бунта передвижников, то это являлось не только революцией идей, но и попытка молодого поколения потеснить “академических старцев” у кормушки госзаказа. Только в XX столетии, особенно после того, как в пику «искусству формы» дадаисты создали «антиискусство», произошел взрыв, разрушивший прежнюю систему функционирования искусства. Под обломками этой системы был погребен и заказ. Полагаю, что Алексей, прекрасно разбирающийся в истории искусства, очень успешно сочетал “свободное творчество” с понятием “заказа”. В любом случае, в своем воспроизводстве, Алексей всегда оставался полновластным творцом. “Чего только стоит многообразие созданных им пираний…. И ни в одной картине ни одна пиранья ничем не повторяет другую”- с восхищением заявила Снежанна Шишкова, страстная поклонница вермишевского творчества. “Если в Японии многие художники всю свою жизнь изображают тростник, совершенствуя себя в творчестве, а Сальвадор Дали таким образом культивирует яйцо, — то я избрал яблоко – говорил Мастер — У каждого художника — свои предпочтения. Другим моим знаковым изображением стала пиранья. Расскажу, каким образом она вообще зародилась. Как-то в начале 80-х из Астрахани привезли леща. Прежде, чем его съесть, я, конечно же, стал его рисовать. Много раз. Каждый раз, преобразовывая его, этот предобрый лещ медленно трансформировался в пиранью. Я подарил эту картину своему менеджеру, и он тут-же ее продал. Кто-то из новообразованных бизнесменов увидев ее, тоже пожелал иметь такую же. С тех пор начался повал. Чуть ли не каждый бизнесмен считал своим долгом иметь в своем интерьере мою пиранью. В результате, таких пираний я написал около 300!”
Очень часто, чтобы приступить к работе, Алексей нуждался в некотором импульсе, подступающем со стороны. Это могло быть какое-либо событие, а чаще какой-либо пустяк, скажем, овца, увиденная художником из окна поезда. А чем не стимулирующий импульс заказ?
Думаю, не будет преувеличением, если я причислю Алексея Вермишева к художникам, одержимым творчеством. Художников с такой характерной преданностью искусству, в сущности, не так и много. С подобным даром одержимости люди рождаются, а не воспитывают его в себе волевым актом. Их приход в мир не зависит ни от эпохи, ни от национальности, или от каких-либо других условностей. И пусть имя художника Алексея Вермишева, пока еще не столь популярно, как того заслуживает, ибо иконостасы выстраивает время и только история решает реальную ценность Творца… А человеку, если он истинный художник, остается только выложить весь свой дар, все свое мастерство, на “алтарь искусства”.
За свою жизнь художник Алексей Вермишев стал участником многочисленных выставок и художественных аукционов в России и за рубежом. Теперь его многочисленные работы хранятся в музее Los Angeles, в галереях и частных коллекциях России, Германии, Франции, Финляндии, Швейцарии, Голландии, Швеции, Англии, США, Перу, Нидерландах, Сингапуре. К сожалению, не все его творческие замыслы и идеи, которыми он был переполнен, воплотились в жизнь…. В последние годы, уставший от многочисленных заказов, вдохновленный картинами великого мастера Проторенессанса Джотто ди Больдини, творчеством которого он восхищался всю жизнь, Алексей намеревался написать большую картину “Поклонение волхвов”, эскизы которой были уже давно готовы, но… не успел….
Как-то я спросил у Алексея: “Каково твое жизненное кредо”, он сначала призадумался, поморщил лоб, потом на его лице засверкала характерная улыбка: “Наверно, быть открытым всему миру”.
Арутюн ЗУЛУМЯН, искусствовед
Основные выставки: 1983 — 2010гг — выставки ТЭИИ Спб. 1990 — 1992гг — выставки ТЭИИ США. 1991г — галерея «Гедок» Гамбург. 1992г- Порво Финляндия. 1993г — аукцион «Версаль». 1993г — MIF- 93 Манеж. 1995г — «Савва-галери» Нью Йорк. 1995г — «Авангард-галери» Дуйсбург Германия. 2009г — 2-ой Международный фестиваль Независимого искусства СПБ «Манеж». 2011г — Аукционный дом «Совком» 2011г — выставка «Башмак в искусстве», 2012г — выставка «Стул в искусстве» в фонде Михаила Шемякина. 2013г — «Петербург. 20-летие» выставка в»Манеже» Санкт-Петербург. 2013г — Московский международный салон в ЦДХ. 2013г — Фонд Михаила Шемякина «Дети в искусстве» 2013г — ЮБИЛЕЙНАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ВЫСТАВКА В ЦЕНТРАЛЬНОМ ДОМЕ АРХИТЕКТОРА «Моя Москва за последние 15 лет». 2014г — Московский международный салон в ЦДХ. «Связь времён». *
